Au-delà de l'automne, une œuvre acclamée par la critique de Joseph Schwantner.
Guillaume Scharnberg
(Extrait de l'article original paru dans le pdf numéro de novembre 1999 de The Horn Call)
Un important projet de dix ans s'est enfin concrétisé et c'est avec grand plaisir qu'on m'a demandé de revoir la création du premier grand concerto commandé par l'International Horn Society. Le courage des dirigeants et des membres du Conseil consultatif de l'IHS au cours de la dernière décennie, dont chacun aurait pu renflouer ce projet, doit être loué. C'était un grand pari, mais avec le puissant arc financier et artistique de l'International Horn Society et la véritable flèche compositionnelle de Joseph Schwantner, nous avons fait mouche !
Jeudi soir, 30 septembre 1999, dans la salle de concert Eugene McDermott du Morton H. Meyerson Symphony Hall de Dallas, un magnifique bâtiment conçu par IM Pei, un public s'est réuni pour une représentation de l'Orchestre symphonique de Dallas, y compris la première de Au-delà de l'automne : poème pour cor et orchestre par Joseph Schwantner. Également au menu, Haydn's Symphonie No. 82 et celui de Tchaïkowski Symphonie No. 2, sagement programmé pour contraster la première et donner à l'orchestre un bon temps de répétition sur les difficultés du nouveau concerto. Le soliste était Gregory Hustis et le chef d'orchestre, Andrew Litton.
L'annotatrice du programme DSO Laurie Shulman a inclus à la fois un profil du compositeur et d'excellentes notes de programme dans le Stagebill de la soirée. Voici des extraits des deux sections :
La carrière de Schwantner s'est rapidement transformée en succès. Après avoir terminé ses études au Conservatoire de Chicago et à l'Université Northwestern, il a obtenu son poste universitaire à l'Eastman School of Music en 1970, alors qu'il avait 27 ans. Il a reçu un énorme coup de pouce en 1979, lorsque sa partition d'orchestre, Aftertones of Infinity, a été récompensé par le prix Pulitzer. Peu de temps après, Leonard Slatkin a invité Schwantner à être compositeur en résidence au Saint Louis Symphony, poste qu'il a occupé de 1982 à 1985. Ce furent des années clés pour Schwantner pour plusieurs raisons. Slatkin est reconnu comme un chef d'orchestre qui défend la nouvelle musique et la musique américaine. Sous sa direction, la Saint Louis Symphony a joué, enregistré et fait des tournées de presque toutes les œuvres que Schwantner avait alors écrites pour orchestre. En conséquence, la musique de Schwantner a acquis une familiarité parmi les joueurs et les membres du public qui est rare dans le monde d'aujourd'hui.
Schwantner a expliqué : « Fondamentalement, j'écris de la musique pour orchestre depuis plus de vingt ans, donc j'ai beaucoup pensé à l'orchestre. L'écriture pour orchestre continue de me fasciner en raison de la grande variété de sons. Je suis un compositeur qui s'est toujours intéressé à l'aspect timbral de la musique. L'orchestre fournit cette extraordinaire panoplie de styles, un réservoir de sons que l'on peut utiliser. Je trouve le médium extrêmement gratifiant pour mon propre travail et je sens que j'ai encore quelque chose à dire.
Au cours des années 1990, Schwantner s'est lancé dans une série de concertos solo qui lui présentent un nouvel angle sur l'écriture de la musique symphonique. Il explore la question de l'équilibre entre soliste et orchestre, et le défi de composer un rôle orchestral plus substantiel qu'un simple accompagnement. Au-delà de l'automne, le concerto pour cor de Schwantner est l'une des nombreuses œuvres qui seront créées cette saison. Il a commencé son « cycle » avec un concerto pour percussions commandé par le New York Philharmonic. Le public de Dallas aura une autre occasion d'entendre la musique de Schwantner au cours de la saison d'abonnement 2000-2001, lorsque son nouveau concerto pour orgue sera interprété par le gagnant du deuxième Concours international d'orgue de Dallas qui se tiendra ce printemps ici à Meyerson. Il a également été chargé d'écrire un concerto pour violon pour Anne Akiko Meyers et l'Orchestre symphonique national.
« Maintenant, je suis confronté au défi immédiat de devoir traiter des pièces concertées dos à dos sans soulagement », dit-il. « Le fait que les instruments solistes soient si différents procure un soulagement par rapport à la simple écriture d'une pièce en continu. Mais j'ai le sentiment que nous, compositeurs, sommes préoccupés par des problèmes généraux de composition auxquels nous ne cessons de réfléchir. Il y a une plus grande continuité dans nos pièces, et la double barre est presque une question de commodité. Parfois, les idées d'une personne ne se concrétisent pas pleinement dans une œuvre, mais certaines questions peuvent trouver une réponse dans les pièces suivantes. C'est ce qui donne naissance à la voix d'un compositeur. Vous traitez le matériau musical brut d'une manière idiosyncratique, et cela définit qui vous êtes en tant que compositeur. Je crois toujours que ces qualités sont importantes dans la musique.
Né le 22 mars 1943 à Chicago, Illinois, Joseph Schwantner a l'habitude de lier des images poétiques puissantes à sa musique. Sa liste de travail comprend peu de titres traditionnels comme la symphonie, la sonate ou le quatuor, mais comprend à la place des noms évocateurs comme Runes et incantations lointaines, un arc-en-ciel soudain, et Rêveur. Il s'agit clairement d'un compositeur doté d'imagination, d'un vif intérêt pour la langue et la littérature, et d'un sens aigu de l'imagerie. En termes de musique, cela s'est traduit par des couleurs instrumentales vives et un vif intérêt pour la gamme sonore des instruments individuels. Cette pensée est très présente dans Au-delà de l'automne, la nouvelle partition de Schwantner, qui reçoit ses premières mondiales ce week-end. L'œuvre est sous-titrée « Poème pour cor et orchestre ». Le poème en question apparaît en tête de partition.
Au-delà de l'automne...
la brume du saule
baigne la terre ombragée,
dans un passé lointain
oublié depuis longtemps.
Schwantner en est l'auteur, comme il l'était pour le poème qui a servi de point de départ à sa partition lauréate du prix Pulitzer, Les répliques de l'infini (1978). « Le poème fournit l'impulsion poétique qui suggère des analogies musicales », observe-t-il. « Il y a une étroite affinité entre les images évoquées par la poésie et une source d'idées musicales qui en découlent. Certainement dans le cas de Au-delà de l'automne, je pensais aussi à la nature du cor et à ses capacités. C'est un instrument avec une énorme gamme de dynamique et un potentiel expressif. D'une part, il peut être héroïque, puissant, audacieux et cuivré. D'un autre côté, il a cette extraordinaire capacité d'être intime et de paraître distant.
Selon le soliste Gregory Hustis, Schwantner a atteint toutes ces qualités dans Au-delà de l'automne. « Son message est force, tristesse et noblesse », dit Hustis. « Le plus grand défi est d'essayer de capturer la saveur dramatique. Ce n'est pas, d'un point de vue technique, le concerto pour cor le plus difficile jamais écrit, bien qu'il demande une endurance considérable. Schwantner demande une immense liberté. Il est plus préoccupé par l'ambiance et l'expression plutôt que d'exiger une interprétation littérale des notes telles qu'elles sont écrites. Il insiste sur certains de ses thèmes. Je pense que cela oblige l'auditeur à être réfléchi.
Hustis considère que l'orchestre est partenaire du soliste, tout comme la section des cors. Schwantner demande que les cors soient placés devant, à gauche de la scène, là où se trouvent habituellement les violoncelles. "L'idée est de mettre un accent visuel et sonore sur les cors en général", dit le compositeur, "et plus spécifiquement sur le soliste." Il réalise ce dernier en plaçant le soliste hors scène au début de Au-delà de l'automne, et sortie à une récession à la conclusion. Schwantner explique : « Même lorsque le cor est parmi nous, il est capable de ce son lontano (loin). Ainsi, la pièce commence par une brève introduction et le premier énoncé de cor fait jouer le soliste de manière plutôt dramatique, mais hors de la scène, hors de la vue du public. Vous avez ce sens de la distance intégré dans la pièce, qui est une métaphore d'un aspect de la personnalité du cor.
Schwantner décrit Au-delà de l'automne sous la forme d'un rondo en un seul mouvement en forme d'arche, d'une durée d'environ 16 minutes. Servant de pivot musical en son centre, un choral introduit d'abord par la flûte et les cordes, puis les bois inférieurs, y compris tous les cors - la seule fois dans la pièce où la section des cors et le soliste jouent la même musique. Le compositeur considère Au-delà de l'automne être une pièce très directe en termes d'expression musicale. Les auditeurs peuvent remarquer l'utilisation fréquente d'une sixième mineure, l'intervalle principal qui imprègne une grande partie de la pièce, et en particulier la ligne du soliste. « Les sixtes mineures ont une qualité très spéciale lorsqu'elles sont jouées au cor, plutôt lugubres, du moins à mes oreilles », déclare Schwantner. Il souligne que la pièce est différente d'un concerto traditionnel en ce sens qu'elle n'a pas de section substantielle de musique rapide et virtuose. Au contraire, il est virtuose dans le contrôle qu'il faut pour maîtriser de longues lignes étendues, souvent dans le registre aigu du cor.
Dans une déclaration « officielle » écrite pour être incluse dans les notes de programme du spectacle, Joseph Schwantner a écrit :
Au-delà de l'automne « Poème » pour cor et orchestre a été commandé par l'International Horn Society et en partie par le Barlow Endowment de l'Université Brigham Young. Sa première a été décernée à Gregory Hustis, cor solo, et à l'Orchestre symphonique de Dallas. Le cor, un instrument des plus exigeants et impitoyable à maîtriser, est capable d'une gamme remarquablement large d'expression musicale. Parfois très affirmée, saisissante et héroïque, elle possède aussi une nature sombrement évocatrice et lointainement voilée qui peut se fondre intimement avec les textures orchestrales les plus délicates et les plus transparentes. Cette œuvre fait appel à ces qualités dramatiques, lyriques et élégiaques qui font partie de la personnalité expressive expansive du cor, et est en outre éclairée et éclairée par la musicalité éloquente de Gregory Hustis. Beyond Autumn est dédié à la mémoire de mon beau-père, Jack Rossate, un homme gentil et doux qui a béni ma famille de sa présence pendant quatre-vingt-seize ans.
Pour les premières représentations, le chef d'orchestre du DSO, Andrew Litton, a appelé le compositeur sur la plate-forme tandis que l'équipe et l'orchestre ont préparé la scène et se sont déplacés pour la représentation. Micro à la main, Litton a préfacé sa brève interview avec le compositeur en déclarant que tant de fois les musiciens souhaitent pouvoir poser au compositeur des questions détaillées sur une œuvre ; la présence du compositeur a finalement rendu cela possible. Il a demandé à Schwantner comment il en est venu à écrire le concerto, après quoi le compositeur a avoué qu'il avait été commandé par l'International Horn Society. De plus, en préparation, il a écouté des enregistrements de Gregory Hustis et a été captivé par la musicalité éloquente et la capacité lyrique de Hustis. La pièce a ensuite été conçue pour exprimer ce que Schwantner croit être à la fois la voix idiomatique du cor ainsi que les capacités lyriques du soliste.
Le public était alors prêt à s'attendre à une fantaisie orchestrale colorée de seize minutes mettant en vedette le cor, devant un orchestre comprenant un piccolo, des bois par paires plus un cor anglais, une clarinette basse et un contrebasson, quatre cors (assis en face du soliste), trois trompettes, trois trombones, tuba, timbales, trois percussionnistes jouant une myriade d'instruments, piano amplifié, harpe et cordes.
Le poème commence par une brève et brillante rafale de sons des percussions, du clavier et de la harpe sur un accord doux, soutenu et dense dans les cordes et les vents. Cet accord monte et descend de manière dynamique sous des interjections percussives. Le cor entre avec un appel dramatique hors scène, suivi d'une autre rafale de percussions, puis d'un autre appel de cor solo, plus haut cette fois, depuis une position sur scène mais juste visible pour le public. Alors que le corniste passe à la position solo, l'orchestre revient aux accords colorés et aux glissandi de cordes qui, à leur tour, constituent une entrée culminante de l'ensemble de la collection d'instruments de basse gamme, plus un piano amplifié. Au fur et à mesure que de plus en plus d'instruments sont impliqués, le solo de cor appelle en triples subdivisions sur les doubles divisions de l'orchestre. Ici, peut-être à cause de la salle, qui est quelque peu « antipathique » pour le cor, Hustis a dû jouer beaucoup plus fort qu'une lecture de la partition ne l'indiquerait. Greg a déclaré après la représentation : « Sans réduction de la partition au piano, j'ai volé à l'aveugle pendant environ dix semaines. Ce n'est qu'hier matin que nous avons tous entendu l'orchestration pour la première fois. Quand je m'entraînais à la maison, je pensais que je poussais les passages forts, puis quand nous l'avons assemblé, les auditeurs voulaient de plus en plus de cor. Aussi, il y avait un problème en ce que les passages 8/4, que j'avais pratiqués 3+3+2, comme indiqué dans la partition, M. Litton a décidé de faire en quatre motifs. Cependant, Litton était vraiment doué pour préparer la pièce – il écoutait très attentivement les commentaires des nombreuses oreilles présentes dans la salle. Je suis vraiment soulagé que la performance se soit bien passée parce que j'ai ressenti beaucoup de pression pour rendre justice au travail au nom de la Horn Society. Je suis presque devenu religieux ce soir - quelqu'un veillait sur moi sur quelques passages. Un collègue de l'orchestre a noté : « Ça s'est très bien passé juste à la dernière minute. »
Le contraste rythmique est une caractéristique de la pièce et c'est cette indépendance rythmique qui crée une difficulté principale pour le soliste, qui a la charge de s'adapter à des groupes de triolets visuellement plus compliqués sur des partitions orchestrales parfois denses dans les vents et les cordes. Alors que la partie de cor solo ne demande que de la dextérité dans les deux appels d'ouverture, la gamme est assez large (écrit mi à do"'), avec l'intervalle de la sixième mineure, comme mentionné ci-dessus. Les mélodies soutenues sont généralement jouées à pleine voix, jamais aigu et délicat, et il y a parfois des notes aiguës brillantes. De toute évidence, la partie appelle un soliste physiquement très puissant. Alors que les parties extérieures de la composition en forme d'arc sont plus dissonantes, le cœur de l'œuvre est tonal et mélodique. En particulier , deux mélodies ressortent aussi belles : l'une est le choral calme au centre de l'œuvre qui est repris par les bois et les cors à l'unisson, y compris le soliste. L'autre mélodie, avec des secondes et des sixtes soupirantes qui auraient pu être écrites par JS Bach, est entendu dans le cor de chaque côté du choral. À partir de ce point, la composition revisite les thèmes de la première section, transformés de manière subtile en dramatique. Un interlude orchestral prolongé, avec les cors doublant mélodiquement g les cordes, s'éteint progressivement jusqu'à une coda, intitulée « Recessional ». Sur un ostinato tranquille dans l'orchestre, le soliste répète une douce mélodie lugubre dans les médiums et les graves, tout en se dirigeant vers la porte de la scène entre chaque énoncé. Ici, la mélodie du cor n'a pas besoin de coïncider avec l'ostinato qui s'estompe finalement dans le silence. la fin frappe l'auditeur d'une poignante nostalgie, le sentiment de quelque chose de perdu - quelque chose d'important mais vague, indéfinissable et insaisissable à la pensée consciente. Peut-être est-ce ce même désir que nous éprouvons parfois dans certains mouvements des symphonies de Mahler. L'auditeur, plutôt que d'offrir une standing ovation, a un désir plus impérieux d'entendre immédiatement Beyond Autumn, de retrouver en quelque sorte son esprit évocateur.C'est une pièce réfléchie destinée à être programmée au début ou au milieu d'un programme d'orchestre.
En tant que corniste examinant la partition avant la première, j'ai d'abord été frappé par l'idée légèrement « artificielle » de commencer et de terminer avec le cor en dehors de la scène, un effet que nous rencontrons souvent dans les récitals de cor. Cependant, il ne faut pas oublier que cet effet spatial, régulièrement ressenti dans les salles de musique contemporaine à travers le monde, n'est pas une caractéristique commune au grand public assistant à un concert d'orchestre. Bien qu'il existe un certain nombre d'œuvres orchestrales traditionnelles des XIXe et XXe siècles qui incorporent des effets spatiaux visuels et sonores, il n'y a, à ma connaissance, qu'un seul « concerto » qui inclut le cor hors scène : la Sérénade de Britten pour ténor, cor et cordes. Ainsi, ce qui pourrait apparaître sur le papier comme n'étant peut-être pas l'idée la plus originale ressort bien dans le contexte de la salle d'orchestre (nonobstant la critique ci-dessous).
Voici ce que les critiques musicaux ont dit à propos de la performance :
Ceux qui se sont habitués à penser que la musique moderne est principalement acerbe devraient assister à l'un des concerts de l'Orchestre symphonique de Dallas ce week-end. Le DSO présente la première de Joseph Schwantner Au-delà de l'automne : poème pour cor et orchestre, et c'est une œuvre puissante qui laisse un arrière-goût agréable.
L'œuvre de M. Schwantner pourrait être considérée comme un concerto pour cor, sauf qu'elle est résolument différente de la pièce d'exposition habituelle pour un instrument soliste avec orchestre. D'une part, il est sombre - une ambiance non interrompue par plusieurs explosions orchestrales lourdes de percussions et de cuivres. Il n'y a pas de démonstration technique ostentatoire pour le soliste. Au lieu de cela, il y a une musique de fond - et sans aucun doute d'une difficulté redoutable - qui améliore l'ambiance de l'œuvre et contribue à son unité globale. Il ne s'agit pas d'un concerto dans lequel on s'attendrait à ce qu'une pause permette au soliste de s'exhiber avec une cadence.
Au-delà de l'automne est un travail de contrastes : percussions agressives compensées par des violons doux, acidité proche du début et de la fin équilibrée par un épisode lyrique du milieu pour les seules cordes. Enfin la tension se résorbe paisiblement : il y a une fin en fondu qui hante l'auditeur après les dernières notes. Il s'agit d'une œuvre avec une personnalité particulière.
Le remarquable Gregory Hustis, le corniste principal du DSO, a donné une superbe performance en solo et l'orchestre dans son ensemble a fait une déclaration impressionnante sous la baguette d'Andrew Litton. M. Schwantner, qui vit à Rochester, NY, était présent pour faire quelques brèves remarques avant la représentation et saluer les applaudissements à la fin.
—Olin Chisholm, Dallas Morning News.
Bien que le titre rappelle quelque chose que l'industrie de la publicité aurait pu imaginer pour une nouvelle eau de Cologne ou une nouvelle teinte de peinture murale, la musique elle-même est extraordinaire. Cela commence bruyamment, avec le cor en coulisses – comme le titre de la pièce, un gimmick inutile mais inoffensif – et passe rapidement à 20 minutes de lyrisme magnifiquement travaillé, basé non pas sur de longs thèmes mais sur de brèves phrases traitées avec habileté et passion. La myriade d'effets orchestraux rappelle Stravinsky ; le néo-romantisme extraverti et éhonté rappelle le défunt collègue de Schwantner à l'école Eastman, le génie symphonique américain Howard Hanson autrefois méprisé mais maintenant respecté.
Félicitations au chef d'orchestre Litton pour avoir présenté cette nouvelle œuvre, et encore plus au soliste Hustis, le principal cor de l'orchestre, pour sa lecture magistrale et sympathiquement romantique de cette nouvelle œuvre. Ici, le cor a été à la hauteur de son potentiel en tant que l'un des instruments les plus émouvants et les plus héroïques de l'orchestre.
—Wayne Lee Gay, télégramme de l'étoile de Fort Worth.
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La biographie de Schwantner est impressionnante. En plus de faire partie du corps professoral de l'Eastman School of Music, il est actuellement conférencier invité à Yale et a fait partie du corps professoral de Julliard. Il a été compositeur en résidence avec l'Orchestre symphonique de Saint Louis dans le cadre du programme Meet the Composer/Orchestra Residencies financé par Exxon Corporation, la Fondation Rockefeller et le National Endowment for the Arts. Il a fait l'objet d'un documentaire télévisé intitulé Soundings, produit par WGBH à Boston pour une diffusion nationale.
Schwantner's Les répliques de l'infini a reçu le prix Pulitzer en 1979. Magabunda, « quatre poèmes d'Agueda Pizarro », enregistrés sur Nonesuch Records par le Saint Louis Symphony, a été nominé pour un Grammy Award 1985 dans la catégorie « Meilleure nouvelle composition classique » et son Un arc-en-ciel soudain, également enregistré par le Saint Louis Symphony sur Nonesuch, a reçu en 1987 une nomination aux Grammy Awards pour la « Meilleure composition classique ». Musique d'Ambre a remporté le premier prix-Kennedy Center Friedheim Awards-1981, Un arc-en-ciel soudain a remporté le troisième prix-Kennedy Center Friedheim Awards-1986. Parmi ses œuvres sorties sur disque compact figurent Black Anémones, New Morning for the World, From Afar..., Aftertones of Infinity, Music of Amber, And The Mountains Rising Nowhere et Un jeu d'ombres. Il a remporté de nombreuses bourses et sa musique est publiée par Helicon Music Corporation, CF Peters Corporation et European-American Music.
La musique de Schwantner a été interprétée par de nombreux orchestres à travers le monde, y compris plusieurs grands festivals de musique, et des commandes sont venues du New York Philharmonic, du Pacific-Northwest Ballet, du Barlow Endowment, du First New York International Festival of the Arts, du Boston Symphony , Saint Louis Symphony, San Diego Symphony, Fromm Music Foundation, Naumburg Foundation, Chamber Society of Lincoln Center, American Composers Concerts Inc., American Heritage Foundation, Los Angeles Chamber Orchestra, Saint Paul Chamber Orchestra, Canton Symphony, Solisti New York Chamber Orchestra , et l'American Telephone and Telegraph Company.
La musique de Joseph Schwantner est particulièrement marquée par des couleurs uniques et fascinantes, un lyrisme du XXe siècle et un intérêt rythmique dramatique. Bien qu'il utilise une vaste gamme de couleurs instrumentales, en particulier dans les percussions, sa musique a une intensité et une substance dramatiques qui vont au-delà des simples gestes formels. Dans une interview à la radio avec le professeur Schwantner, diffusée dans la région de Dallas avant la première, il a avoué s'être inspiré des symphonies de Gustav Mahler, le « compositeur du compositeur », pour leur lyrisme direct et sans honte et leur orchestration exquise. Son nouveau concerto pour percussions a pris d'assaut le monde de l'orchestre, recevant de multiples représentations et acclamé internationalement; dans tous les sens du terme, c'est aussi une belle composition.
De même, Au-delà de l'automne, trouvera sans aucun doute sa place dans le répertoire orchestral, peut-être comme un « mouvement lent » obsédant dans le cycle de concertos de Schwantner. En regardant objectivement l'histoire de la composition musicale, la plupart des musiciens conviendraient que des compositeurs tout simplement adéquats sont capables d'écrire des morceaux et des mouvements rapides et acceptables. Cependant, seuls les géants artistiques ont eu l'habileté et la profondeur d'expression pour composer des compositions ou des mouvements mémorables au rythme plus lent. Nous en avons un, il s'intitule Au-delà de l'automne, et c'est notre héritage à la prochaine génération de joueurs de cor !