Nella mia rubrica di febbraio, parto dal mio tipico tipo di messaggio per affrontare un aspetto della musica che è spesso controverso e, per quanto non correlato possa sembrare, a mio parere ha una relazione diretta con il fare musica a qualsiasi livello. La "borsa di studio", quando non identifica una ricompensa finanziaria, è solitamente definita come studio accademico o risultato, o apprendimento di alto livello. "Attività accademica" è sia l'atto di questo studio o risultato sia il prodotto di quell'attività. A complicare ulteriormente la situazione è che la borsa di studio, almeno nel mondo professionale, riceve credibilità attraverso la "revisione" o la valutazione critica di quel prodotto. Ciò significa che deve esserci un luogo in cui presentare il prodotto che consentirà ad altri di vederlo e commentarlo. Quindi, la borsa di studio richiede un prodotto, un luogo per la presentazione e una risposta. Ciò consente di creare, presentare e valutare le informazioni. Si spera che il processo produca qualcosa di rilevante e che il mondo sia un posto migliore per questo.
Il campo della musica offre opportunità tradizionali e non tradizionali per l'attività accademica. Le aree della storia della musica, della teoria musicale e dell'educazione musicale generalmente enfatizzano i metodi di ricerca tradizionali, risultando in "prodotti" stampati in una varietà di luoghi. La composizione musicale è solitamente accomunata a questo tipo di borsa di studio, in parte perché implica un'attività creativa, e di solito si traduce in un prodotto stampato. La frase "attività creativa" è anche il punto di ingresso per molta innovazione tecnologica perché di solito offre risultati tangibili in strumenti, dispositivi, sistemi, ecc., resi in forma fisica o stampata.
Allora, per quanto riguarda le prestazioni? L'atto di fare musica non riceve lo stesso marchio di approvazione accademica di un libro, un articolo o una composizione. Parte del problema è che un'esibizione musicale ha una presenza fisica ma non una sostanza fisica: puoi assisterla e assisterla, ma non puoi prenderla e tenere in mano ciò che qualcuno ha appena eseguito e poi portarlo a casa con te per sperimentarlo di nuovo più tardi. Molti chiedono: "e le registrazioni?" Per me, le registrazioni rappresentano esperienze musicali allo stesso modo in cui le fotografie oi filmati amatoriali rappresentano la vita: prima di tutto forniscono esperienze (ad es. ricordi, sentimenti) che sono staccate dalla realtà del momento in cui sono state eseguite. In secondo luogo, in generale, rappresentano un archivio fabbricato. La maggior parte di noi sa che la stragrande maggioranza delle registrazioni commerciali non sono performance "autentiche" (le registrazioni "live" sono l'eccezione). Non fraintendetemi: le esibizioni registrate meritano l'attenzione critica dedicata alla tecnica e all'abilità artistica dimostrate, ma generalmente rappresentano un tipo di borsa di studio o attività creativa che è diverso dalle esibizioni dal vivo. Artisti, ingegneri e produttori lavorano insieme alla creazione, al perfezionamento e alla produzione di una registrazione, proprio come gli autori, gli editori e gli editori fanno per una monografia stampata. Questo ovviamente rende più plausibile la revisione da parte dei colleghi, soprattutto perché si può portare a casa un CD e ascoltarlo più e più volte. Il problema, tuttavia, è che mentre le registrazioni commerciali rappresentano la realizzazione artistica e il servizio, non rappresentano accuratamente la realtà.
Allora, dove finisce questo spettacolo dal vivo? La "borsa di studio" può essere presentata e valutata in contesti live? Certo, i fattori soggettivi in questo lo rendono un po' rischioso. Durante un'esibizione, i membri del pubblico possono o meno essere coinvolti per molte ragioni, e arrivano agli spettacoli con priorità diverse. Negli ambienti accademici, c'è anche una notevole pressione da parte di studenti, colleghi e supervisori per la valutazione in ogni singola performance. Nel mondo professionale dello spettacolo, inoltre, sono all'opera pregiudizi radicati e forze commerciali che influenzano tutti gli aspetti della performance, comprese le scelte del repertorio e dei solisti/strumenti solisti. Inoltre, il successo (sia critico che semplice godimento) viene valutato in un'esperienza soggettiva e temporale - proprio come i famosi eventi sportivi, le grandi esibizioni musicali non possono essere duplicate o rivisitate nella loro forma originale. Pertanto, gli esecutori dal vivo dipendono da valutazioni che avvengono nell'atto, nel momento, che è una realtà un po' tenue, soprattutto se non abbiamo un quadro chiaro o coerente per la valutazione.
Quindi, quando si parla di performance musicale dal vivo come attività accademica, non abbiamo un prodotto tangibile, fisico, e un mezzo di valutazione che dipenda dalla ricezione soggettiva, vissuta temporalmente, di un prodotto che non può essere replicato o rivisto nel suo contesto originale. Può essere ancora "accademico"? Per considerare questo, diamo un'occhiata a quali fattori partecipano alla preparazione e all'esecuzione. Impariamo a conoscere il compositore, lo stile, le tradizioni nell'esecuzione. Prendiamo decisioni sulla tecnologia prevista e disponibile da utilizzare nelle prestazioni. Consideriamo il luogo della performance: il pubblico e l'acustica. Abbiamo le capacità e il tempo per preparare la performance? Quale edizione dovrebbe essere utilizzata e quali sono le implicazioni del suo utilizzo? Quanto di ciò di cui abbiamo bisogno si trova conducendo ricerche con altre fonti (libri, lezioni e registrazioni) e come possiamo convertire queste informazioni in un'interpretazione equilibrata (vale a dire, tecnica, personale ed estetica)?
Quindi, dopo tutta quella preparazione, sono pronto per esibirmi. L'esperienza mi dice che non importa quanto bene mi preparo, c'è ancora un rischio — perché? Perché la musica ha un'esistenza temporale e l'atto di fare musica dipende da sequenze di azioni, ognuna delle quali è soggetta all'imperfezione umana. Molti fattori, dal cibo che mangio al mio stato d'animo, influenzano la mia preparazione e le mie prestazioni, e devo tenerne conto. Quindi, tutto questo finalmente si riunisce in una performance, in cui mi viene data una possibilità (di solito) di farlo uscire dal corno nel momento in cui lo voglio ...
Allora, qual è il mio punto? Credo che il tipo di ricerca che si svolge in una sala prove o in una sala prove sia analogo al tempo trascorso a fare ricerche in un laboratorio o in una biblioteca: l'ordinamento dei dettagli, la comprensione dei simboli e del vocabolario, l'uso di tecniche per testare ipotesi su cosa funzionerà e cosa no, e il lavoro costante e dedicato che dipende non solo dall'intuizione ma anche dalla ricerca di informazioni e conoscenze per informare quell'intuizione, che porta a un prodotto. Mentre il prodotto nel fare musica è invisibile, senza sostanza fisica, ed è sperimentato temporalmente, è innegabile che c'è un risultato negli stimoli che chiamiamo musica, e cioè le sensazioni associate alla performance. La maggior parte della responsabilità ricade ancora sull'esecutore per trasmettere questi stimoli nell'atto di esibirsi, ma tutti coloro che partecipano a una performance, incluso il pubblico, il personale della sala da concerto, i promotori di concerti e chiunque altro ad essa collegato, hanno un ruolo nella creazione del luogo di quell'esperienza temporale. E infine, qualsiasi valutazione credibile della sostanza accademica di una performance, da parte del pubblico, degli studenti, dei colleghi o dei critici, deve dipendere dalla comprensione del contesto e delle forze all'opera nella preparazione e nella performance, nonché dalla sostanza della creatività agire stesso.
Un prodotto, un luogo e una risposta: questo mi suona come una borsa di studio in qualsiasi campo.
Ci vediamo a Macomb, la sede di quest'anno per l'attività accademica!
Ti auguro buone cotolette,
Jeffrey Snedeker
Presidente, International Horn Society