XNUMX月の私のコラムでは、物議を醸すことが多い音楽の側面に対処するために、私の典型的なタイプのメッセージから離れます。それがどんなに無関係に見えても、私の意見では、あらゆるレベルで音楽を作ることに直接関係しています。 「奨学金」は、金銭的報酬を特定しない場合、通常、学術研究または成果、または高レベルの学習として定義されます。 「学問的活動」とは、この研究または成果の行為、あるいはその活動の産物の両方です。 状況をさらに複雑にしているのは、少なくとも専門家の世界では、奨学金はその製品の「レビュー」または批判的評価を通じて信頼を得ているということです。 つまり、他の人がそれを見てコメントできるようにする製品を提示する場所がなければなりません。 したがって、奨学金には、製品、プレゼンテーションの場、および応答が必要です。 これにより、情報を作成、提示、および評価することができます。 うまくいけば、プロセスは関連性のあるものを生み出し、世界はそれにとってより良い場所です。
音楽の分野は、学術活動のための伝統的および非伝統的な機会を提供します。 音楽史、音楽理論、音楽教育の分野では、一般的に伝統的な研究方法が強調されており、さまざまな場所で「製品」が印刷されています。 作曲は通常、この種の奨学金と一緒にまとめられます。これは、創造的な活動が含まれることもあり、通常は印刷物になります。 「創造的活動」というフレーズは、通常、物理的または印刷された形式でレンダリングされた機器、デバイス、システムなどで具体的な結果をもたらすため、多くの技術革新の入り口でもあります。
では、パフォーマンスはどうですか？ 音楽を作るという行為は、本、記事、または作曲と同じ学術的承認のスタンプを受け取りません。 問題の一部は、音楽パフォーマンスには物理的な存在感はあるが、物理的な実体はないということです。参加して目撃することはできますが、誰かが演奏したばかりの音楽を手に取って持ち帰り、体験することはできません。後でまた。 多くの人が「録音はどうですか？」と尋ねます。 私にとって、レコーディングは写真やホームムービーが人生を表すのと同じように音楽体験を表します。何よりもまず、レコーディングは、それが実行された瞬間の現実から切り離された体験（たとえば、記憶、感情）を提供します。 第二に、一般的に、それらは作成されたアーカイブを表します。 私たちのほとんどは、商用レコーディングの大部分が「本物の」パフォーマンスではないことを知っています（「ライブ」レコーディングは例外です）。 誤解しないでください。記録されたパフォーマンスは、実証された技術と芸術性に批判的な注意を払う価値がありますが、一般に、ライブパフォーマンスとは異なる一種の奨学金または創造的な活動を表しています。 演奏者、エンジニア、プロデューサーは、著者、編集者、出版社が印刷されたモノグラフに対して行うのと同じように、録音の作成、改良、および制作に協力します。 これにより、特にCDを持ち帰って何度も聴くことができるため、同僚によるレビューがより妥当なものになります。 ただし、問題は、商用録音は芸術的な成果とサービスを表していますが、現実を正確に表していないことです。
では、これはライブパフォーマンスをどこに残すのでしょうか？ 「奨学金」はライブ環境で提示および評価できますか？ 確かに、これの主観的な要因はそれを少し厄介にします。 公演中、観客はさまざまな理由で参加する場合としない場合があり、優先順位の異なる公演に参加します。 アカデミックな環境では、学生、同僚、および監督者から、すべてのパフォーマンスの評価を求めるかなりのプレッシャーもあります。 プロの演奏の世界では、レパートリーやソリスト/ソロ楽器の選択など、演奏のあらゆる側面に影響を与える根深い偏見や商業的な力も働いています。 さらに、成功（批判的であろうと単純な楽しみであろうと）は主観的で時間的な経験で評価されます—有名なスポーツイベントのように、素晴らしい音楽パフォーマンスを元の形で複製したり再訪したりすることはできません。 したがって、ライブパフォーマーは、現時点でその行為で行われる評価に依存します。これは、特に評価のための明確または一貫したフレームワークがない場合は、やや希薄な現実です。
したがって、ライブ演奏を学術活動として議論する場合、私たちは具体的な物理的な製品、および元のコンテキストで複製またはレビューできない製品の主観的な受信に依存する評価手段を持っていません。 それはまだ「学術的」でありえますか？ これを検討するために、準備と実行にどのような要因が関与しているかを見てみましょう。 作曲家、スタイル、パフォーマンスの伝統について学びます。 パフォーマンスで使用する目的のテクノロジーと利用可能なテクノロジーについて決定を下します。 私たちはパフォーマンス会場、つまり観客と音響を考慮します。 パフォーマンスを準備するためのスキルと時間はありますか？ どのエディションを使用する必要があり、それを使用することの意味は何ですか？ 他の情報源（本、レッスン、録音）を使って調査を行うことで、必要なもののどれだけが見つかりますか？また、この情報をバランスの取れた解釈（つまり、技術的、個人的、美的）に変換するにはどうすればよいですか？
それで、そのすべての準備の後、私は実行する準備ができています。 経験によれば、どれだけ準備を整えても、リスクはあります。なぜでしょうか。 音楽には一時的な存在があり、音楽を作る行為は一連の行動に依存しているため、そのいずれも人間の不完全さの影響を受けます。 私が食べる食べ物から心の状態まで、多くの要因が私の準備とパフォーマンスに影響を与えます、そして私はそれらを説明する必要があります。 そして、これらすべてが最終的にパフォーマンスにまとめられます。そこでは、私が望む瞬間にこれをホーンから出すチャンスが（通常は）XNUMX回与えられます…
それでは、私のポイントは何ですか？ 練習室やリハーサル室で行われる研究の種類は、実験室や図書館で研究を行うのに費やされる時間に類似していると思います。詳細の並べ替え、記号や語彙の理解、何の仮説をテストするための技術の使用などです。うまくいくこととうまくいかないこと、そして直感だけでなく、その直感を伝えるための情報と知識の追求にも依存する着実で献身的な仕事は、製品につながります。 音楽を作る上での製品は目に見えず、物理的な実体がなく、時間的に経験されますが、私たちが音楽と呼ぶ刺激に結果が生じることは否定できません。それがパフォーマンスに関連する感情です。 演奏の過程でこれらの刺激を伝える責任の大部分は依然として演奏者にありますが、観客、コンサートホールのスタッフ、コンサートプロモーター、およびそれに関係する他の人を含む、演奏に参加するすべての人が、その一時的な経験のための場所。 そして最後に、観客、学生、同僚、批評家のいずれからであれ、パフォーマンスの学術的実体の信頼できる評価は、準備とパフォーマンスで働く文脈と力、そしてクリエイティブの実体の理解に依存する必要があります自分自身を行動します。
製品、会場、そして反応—これは私にはあらゆる分野の奨学金のように聞こえます。
今年の学術活動の場であるマコムでお会いしましょう！
良いチョップをお祈りします、
ジェフリー・スネデカー
国際ホルン協会会長